Hagar Blau Makaroff


Bajo el nombre de “Teatro contemporáneo de España, Francia y Argentina. Un océano entre escenas”, el fin de semana de Carnaval y hasta mediados de marzo se podrá disfrutar de este ciclo de teatro con ocho obras de alto voltaje, con comitivas teatrales llegadas desde España y Francia, y con obras reconocidas rosarinas que se ponen en diálogo alrededor de los temas que emergen hoy en el teatro.

La pieza de danza The Very Last Northern Rhino, interpretada por un bailarín de Costa de Marfil, se pregunta acerca de la extinción y los modos de habitar el mundo contrastando con la búsqueda de Distancia, una innovadora propuesta española que cuestiona las relaciones humanas, las tecnológicas y los nuevos modos de vincularnos.

El porvenir desde Francia y Esta máquina no era dios de Argentina presentan universos absurdos y distópicos que, al mismo tiempo, no están tan lejos de la realidad. La española Habrás de ir a la guerra que empieza hoy, pone en escena la búsqueda de la historia familiar y los avatares de la inmigración y dialoga con la rosarina Grotesca, suit criolla que retrata la Argentina cambiante de principios del siglo XX.

La ficción autobiográfica Laurita y la curiosa adaptación que hace El coloquio de las perras que, desde España, mezcla parodia, humor y poesía muestran historias de vida de mujeres que cuestionan su lugar y comparten sus propias formas de ver (y de estar) en el mundo.

Las entradas tienen un valor de 400 pesos, en venta en boletería del CCPE de miércoles a sábados, de 16 a 20, en su sede de Sarmiento y el río, y la venta online en 1000tickets. La obra Distancia tiene entrada gratuita, con inscripción previa en el sitio oficial www.ccpe.org.ar. Y cumpliendo con los protocolos sanitarios vigentes, se solicitará el uso de barbijo y el pase sanitario para mayores de 13 años.

La coordinadora del CCPE, Giulia Luisetti, relató a Mirador Provincial sobre cómo surgió la idea del cruce de obras de estos tres países, y el concepto de ‘un océano entre escenas’: “Este ciclo es un gran anhelo: una suerte de proyecto de teatro contemporáneo comparado entre Rosario, España y Francia que comenzamos a elaborar antes de la pandemia, y fue tomando diferentes formas. Estábamos muy ilusionadas con hacer una apuesta con el off de Rosario en el centro cultural, que mostrase un panorama de la producción local actual y también teníamos un interés muy fuerte en el intercambio con la escena contemporánea europea”.

De esta forma, destacó que “el mecanismo fue ir construyendo este ciclo a través de un diálogo temático de dos en dos entre las obras, a partir de problemáticas de relevancia global. The Very Last Northern Rhino y Distancia con los vínculos en las sociedades contemporáneas, Esta máquina no era Dios y El porvenir con los mundos absurdos para reflexionar sobre nosotros; Habrás de ir a la guerra que empieza hoy y Grotesca, suite criolla, con la migración; El coloquio de las perras y Laurita tiene muchas cosas que hacer, con las reivindicaciones de género. Y el resultado es que aparecen abordajes diversos alrededor de los mismos problemas o preguntas. Creemos que son justamente esas conexiones las que potencian el efecto del ciclo. Los temas que nuclean cada par responden a ejes estratégicos que guían el trabajo del centro cultural”.

La pandemia dificultó el desarrollo de la programación presencial., pero este ciclo es una gran bienvenida a la reapertura de los escenarios. Las obras argentinas son rosarinas y ya reconocidas de la escena teatral, y por eso Giulia fue consultada sobre cómo fue pensada su participación: “Nos gustaba la idea de sacar a las obras locales de sus propias salas y ubicarlas en este ciclo, fuera de su contexto habitual, en una plataforma internacional. Es otra forma de mostrar el valor de la producción local. Rosario produce muy buen teatro”.

En este proyecto contaron con colaboración del Instituto Nacional del Teatro a través de Gabriela Bertazzo, representante de la institución en Santa Fe, con quien hicieron la selección de obras locales y encontrar cómo se podían encontrar la relación entre obra y obra. “También contamos con el apoyo de los centros culturales de la cooperación española en Argentina, con quienes decidimos y gestionamos la movilidad de las obras españolas por Argentina y con el Instituto Francés de Argentina, y la Alianza Francesa de Rosario para la gira y la adaptación de El Porvenir”.

El programa completo

The Very Last Northern Rhino (España) de Gastón Core
Sábado 26/02, 20.30, en el teatro. A través de la máxima sencillez estética y partiendo de las danzas urbanas, este solo coreográfico se pregunta sobre la posibilidad de la felicidad frente al caos del mundo.

Cuando el periodista del The New York Times, Sam Anderson, se enteró de la muerte del último macho de rinoceronte Blanco del Norte, tomó un vuelo a Kenia para observar y narrar con detalle la vida diaria de las dos últimas representantes de esta especie, que desaparecería definitivamente de la tierra una vez hubieran muerto. La imagen indiferente de estos individuos frente al destino de su especie transmitió al reportero una sensación de paz, en un momento de incertidumbre global.

Core busca, a través de una investigación formal sobre distintos estilos de danza urbana (Krumping, Finger Tutting, Waving, Afro…), ofrecer la imagen del hombre que baila porque ha descubierto que, como lo expresa Paul Valéry, tenemos «demasiada energía para nuestros menesteres». Es decir, presentar la danza como exceso, como celebración derivada de la vida. Bailar hasta el agotamiento, bailar hasta el final porque tal vez ya no haya nada más que se pueda hacer.

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Concepto y coreografía: Gaston Core
Interpretación: Oulouy
Colaboración: Aina Alegre
Documentación, fotografía y vídeo: Alice Brazzit
Música: Jorge da Rocha
Diseño de luces: Iván Cascon
Dirección técnica: Arnau Sala
Técnica en gira: Leticia Agesta
Estilismo: Eva Bernal
Coproducción de Sala Hiroshima y Festival Grec de Barcelona con el apoyo del Centre Cívic Barceloneta

Gastón Core es bailarín, actor, gestor cultural y licenciado en dirección escénica y dramaturgia por el Institut del Teatre de Barcelona y dirige la sala Hiroshima desde 2015. En esta pieza, coloca al bailarín de danza urbana Oulouy fuera de su contexto urbano, en el centro de una sala de teatro, frente a un público de teatro. ¿No somos todos nosotros un poco como esa madre y esa hija de rinocerontes blancos, seres fuera de su contexto esperando indiferentes un final al que nos sentimos ajenos?

Oulouy es originario de Costa de Marfil, llegó en su adolescencia a París, ciudad donde se formó en el área de las ciencias de la informática. Desde pequeño desarrolló una gran pasión por la danza, interesándose primero por las danzas africanas. En 2008 tuvo su primer contacto con las danzas urbanas y desde entonces ha destacado en numerosas dance battles a nivel internacional. Ha trabajado como modelo y bailarín en distintas campañas publicitarias para marcas como Coca Cola, L’Oreal, o Estrella Damm. Actualmente se dedica a la enseñanza de las danzas urbanas a la vez que organiza eventos y codirige la plataforma @ilovethisdance, primer canal digital francés dedicado a la cultura urbana y el hip hop.

https://www.instagram.com/enfantdesbois/

Esta máquina no era Dios (Rosario) de Romina Mazzadi Arro
Domingo 27/2, 20.30 h, en el teatro. Del otro lado de la reja está la realidad. De este lado de la reja también está la realidad. La única irreal es la reja.

Paco Urondo
Vivir la burocracia es gravitar el sinsentido con tanta precisión que todo parece, al final, tener una pizca de significado. Incluso de gracia. Este sistema no ha funcionado. Hágase saber. Una representación de la desidia institucional y del desprecio que expresa el poder en manos de dos desquiciadas. Las actrices se trenzan en diálogos absurdos, en la relación asimétrica que es, a la vez, simbiótica. Ellas son eso que pasa detrás de las puertas infranqueables. El discurso del sinsentido va llevando a un paisaje humano en el que Cunsolo y García Jurado arman su propia máquina de actuar y la experiencia es inolvidable.

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Actúan: Elisabet Cunsolo y Paula García Jurado
Dramaturgia y dirección: Romina Mazzadi Arro
Voz: Flor Croci
Vestuario: Norma Longo
Escenografía: Margarita Wells y Carola Rolfo
Fotografía: Eduardo Bodiño y Margarita Wells
Producción general: Espacio Bravo Teatro / Hijos de Roche

El porvenir (Francia y Argentina) de Clément Bondu
Viernes 04/03, 20.30 en el Túnel 4. Un poema con acento profético y un oscuro lirismo. Porvenir relata las andanzas de los “nuevos gitanos”, un nuevo tipo de refugiados recientes, obligados a seguir un viaje interminable a través de las ruinas de una Europa devastada. Deambulando en medio de paisajes desiertos, al azar de los controles y fronteras, hasta la misteriosa habitación 411 de un hotel soviético en desuso, el narrador nos cuenta su éxodo, un testimonio de las preocupaciones de su tiempo para las generaciones futuras.

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Texto, concepción y dirección: Clément Bondu
Traducción: Sol Gil
Intérprete: Luz Quinn
Composición musical: Jean-Baptiste Cognet, Yann Sandeau
Interpretación musical: Ignacio Cruz
Diseño de iluminación: Nicolás Galland
Producción: Année Zéro
Coproducción: L’Onde Théâtre-Centre d’art de Vélizy-Villacoublay
Coproducción en Argentina: Année Zéro, FIBA, Institut Français Argentine
Dirección Técnica de FIBA: Magalí Perel
Duración: 50’

Clément Bondu es escritor, director y cineasta. Estudió literatura en la École Normale Supérieure de Lyon y teatro en el Conservatorio Nacional Superior de Arte Dramático de París. Sus textos incluyen poesía, cuentos, teatro y libretos de ópera. Con el apoyo de la Ciudad de París, Spedidam, Adami, Plateaux Sauvages, Montévidéo-Marseille y el TNG de Lyon. El autor se benefició de una residencia de escritura de tres meses en Madrid en colaboración con el Ayuntamiento de París y el Instituto Francés de Madrid (2017), y estuvo en residencia en Les Plateaux Sauvages (París) entre 2017 y 2019.

Esta obra cuenta con el apoyo del Institut Français d’Argentine/ Embajada de Francia en la Argentina. El texto fue traducido por el programa Contxto en el marco del programa especial para las artes escénicas en Sudamérica hispanoparlante, con el Ministerio de Europa y Asuntos Exteriores, el Ministerio de Cultura de Francia y el Institut Français.

Habrás de ir a la guerra que empieza hoy (España) de Pablo Fidalgo Lareo
Sábado 05/03, 20.30 en el teatro. Encarcelado durante la Guerra Civil Española y exiliado luego de escapar del fusilamiento, Giordano era un maestro, traductor, tesorero de la República en exilio, inventor de un sofá cama, y autor del primer libro origami de Argentina.

En esta obra, que es una primera cita y también un último baile, Pablo restaura la fascinante figura de su tío bisabuelo y reconstruye su historia familiar y la de España en el siglo XX.

Argentina, la tierra del exilio, es el lugar donde nos preparamos para la guerra y salvaguardamos nuestras ideas mientras esperamos que nuestros ojos se ajusten al paisaje infinito que será nuestro compañero hasta el final.

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Escrita y dirigida por: Pablo Fidalgo Lareo
Intérprete: Claudio Da Silva
Diseño de iluminación: José Álvaro Correia
Diseño de sonido: Coolgate (Aka Joao Galante)
Asistencia artística/Producción: Amalia Area
Técnico: Nuno Figuera

Pablo Fidalgo Lareo (Vigo, 1984) es escritor, teatrero y curador independiente. Publicó varios libros de poesía. Su trabajo se ha presentado en España, Portugal, Italia, Francia, Polonia, Cuba, Brasil, Argentina, Chile y Uruguay. Dirige el programa de arte performático MACRO de Vigo y es el director artístico del Festival Escenas de Cambio en la Ciudad de la Cultura de Santiago de Compostela. Actualmente vive en Lisboa.

Cláudio Da Silva (Huambo, 1974) trabaja en teatro, danza, cine, literatura y artes visuales. Ha creado sus propios proyectos y colaborado con Artistas Unidos, Teatro Praga, Teatro Experimental do Porto y con numerosos artistas de diferentes lugares del mundo. Presentó su trabajo en Portugal, Inglaterra, Francia, Italia, Canadá y España.

Grotesca, suit criolla (Rosario) de Hernán Peña y Cielo Pignata
Domingo 06/03, 20.30 en el teatro. Una creación colectiva de Bondi-Colectivo Teatral que surge a partir de indagar el grotesco criollo, género teatral que nace en Argentina en las primeras décadas del siglo XX como consecuencia del caos social. Como una cinta de Moebius, la historia se repite a través de los tiempos: algunos deben partir, huir, exiliarse para que la guerra, la falta de trabajo o el hambre no los mate. La obra propone una experiencia intensamente sensorial, un torbellino de imágenes, personajes e historias, que transitan entre lo cómico y lo trágico, fusionando la risa con el llanto. Grotesca invita al público a ser parte de su carnaval.

BONDI. Colectivo Teatral es un grupo de trabajo que sostiene el espacio de estudio, entrenamiento, creación, montaje y producción teatral surge en el año 2013 a partir de las experiencias de formación que en la Escuela de Actores de “La Comedia de Hacer Arte” ofrecían Hernán Peña y Cielo Pignatta. BONDI produce de manera independiente obras con una gran cantidad de integrantes, apostando a la profesionalización del oficio y la labor colectiva. Luego de su primera obra, Antígona Vélez de L. Marechal, el grupo continúa produciendo en grandes formatos y estrena éste, su segundo espectáculo.

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Dirigen: Hernán Peña y Cielo Pignata
Actúan: Dannae Abdalla, Angie Ambrogi, Karina Ayerza, Claudio Benitez, Gisela Bernardini, Hilda Bryndum, Lucas Cristofaro de Vincenti, Daniel Feliu, Facundo Fernández, Julia Castillo, Verónica Leal, Vicky Olgado, Franco Perozzi, José Pierini, Ebelyn Rita, Nicolás Terzaghi, Mónica Toquero, Marita Vitta, Natalia Zatta.

El coloquio de las perras (España) de Hernán Gené
Viernes 11/03, 20.30 en el teatro. Versión libre de la novela ejemplar El Coloquio de los perros, de Miguel de Cervantes. El coloquio de las perras surge de preguntarnos qué sucedería si en lugar de encarnarla dos perros los personajes fuesen perras. Y ese simple cambio de género resignificó el texto. Aún así, hoy dicha obra, continúa rebelándose socialmente crítica, como lo fue en su día, como lo ha sido su autor Miguel de Cervantes.

Hernán Gené desde la dirección propone que la risa sea un disparador más de complejas emociones y reflexiones sobre el rol de la mujer en el mundo, con un montaje limpio, lúdico, disruptivo, contemporáneo y bello, que pone de relevancia el talento y la capacidad de las tres actrices a través del verbo de Cervantes. Una propuesta pensada tanto para el público amante del teatro cervantino, como para entusiasmar a aquellos que aún lo desconocen.

Sinopsis:
El equipo creativo toma esta novela ejemplar y tiende un puente para que el espectador asista a cómo por mágico portento, las perras hablan, tienen el don de la palabra y del raciocinio. Los perros de Cervantes se han convertido en perras, y estas en mujeres con voz. Una voz que aprovecharán para decir lo que necesita ser dicho ahora y siempre: la igualdad es imprescindible y urgente, nos hace fuertes y libres. Las tres actrices, acompañadas de música en vivo, se cuentan sus vidas de perras, vidas de mujeres, vidas de actrices, vidas de madres, de hijas, de profesionales, de famosas, de heroínas anónimas. Así es como las veremos rebelarse, divertirse, comparar épocas y roles, cuestionar su profesión e, incluso, a sí mismas, repasando algunas de las mejores escenas de la famosa novela de Cervantes y dando lugar a otras disparatadas.

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Dramaturgia y Dirección: Hernán Gené
Versión: Joaquín Hinojosa
Actúan: Esther Acevedo, Amaranta Munana y Georgina Rey
Asesora de vestuario: Mónica Florenza
Espacio escénico: Hernán Gené
Diseño de movimiento: Esther Acevedo
Música: María Herrero
Diseño de sonido: Javier Almela
Diseño de luces: Inés de la Iglesia
Operador en gira: Gustavo Dimas García
Asistente de dirección: Manu Cantelli
Diseño e imagen: FMS comunicación
Producción ejecutiva: Georgina Rey
Prensa: María Díaz
Una producción de Estudio Hernán Gené

Hernán Gené es un reconocido maestro, productor, actor y director de teatro. Un referente indiscutido de teatro físico en Europa y América Latina. En 1985 dirigió la obra Arturo, su primera pieza, dando pie a una prolífica carrera que se extiende a lo largo de más de 45 años y cerca de 60 espectáculos de teatro y de circo Arturo (1985); Sobre Horacios y Curiacios (2004); Los cazadores de Thè (2010); Tartufo, de Moliere,(2011), Los Conserjes de San Felipe (2012); su solo La biblioteca de Scardanelli (2013); George Dandin (2016); y Mutis (2016); Pericles, príncipe de Tiro, de Shakespeare (2019); Mil novecientos setenta sombreros (2020). Ha dirigido y estrenado obras en los principales teatros de España, como el Centro Dramático Nacional, el Teatro de la Abadía, Festival de Teatro Clásico de Mérida o el Teatro Circo Price, entre otros.

Laurita tiene muchas cosas que hacer (Rosario) de Ricardo Arias y Laura Copello
Sábado 12/03, 20.30 en el teatro. Laurita no es Laura. Laurita es pequeña. Una niña adulta narra su historia sentada en el cordón de la vereda. Colecciona objetos, busca el amor de su vida, vive poéticamente y embellece lo que mira luchando por cambiar el mundo. Laurita es hija de una generación creadora de utopías, tiene una mirada crítica. Al borde de sus inseguridades e ironías se ríe de sus obsesiones y estereotipos. Escenas que narran su vida que es muchas vidas, momentos cotidianos se transforman en deseos cumplidos como en un sueño. Así Laura construye un mundo menos ríspido, menos puntiagudo, un mundo de perfiles bajos.

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Género: Ficción autobiográfica
Dramaturgia: Ricardo Arias y Laura Copello
Dirección: Ricardo Arias
Actúa: Laura Copello
Asistencia general y producción: Felipe Haidar
Música original: Guillermo Copello y Carlos Pagura
Diseño y construcción de objetos: María Paula Díaz

Distancia de Jesús Nieto/Onírica Mecánica
Sábado 26/03, a las 16.15, 17.30 y 18.45 h en el Patio de los Cipreses. Una experiencia de teatro expandido en la que quienes participen serán invitados a un viaje por diferentes espacios interiores y exteriores, guiados por el sonido de sus auriculares. Durante esta experiencia narrativa, caminarán solos y en grupo, se encontrarán con desconocidos y viajarán a lugares poéticos, inmersos en una ficción especulativa sobre nuestra naturaleza humana. Una experiencia poética, política y científica que cuestiona las relaciones humanas desde una perspectiva social, investigando las influencias de las herramientas tecnológicas en el futuro de nuestras relaciones. Esta experiencia escénica parte a la búsqueda de nuevas dramaturgias digitales que pueden ser descargadas y representadas simultáneamente y de manera libre desde cualquier lugar del mundo, expandiendo y democratizando la experiencia teatral más allá de los teatros, así como reduciendo el impacto ecológico de nuestras producciones.

La entrada es gratuita, pero con inscripción online en sus tres funciones ingresando en la web https://ccpe.org.ar/web/actividades/un-oceano-entre-escenas/#inscripcion, en los links de cada función:
Función 16.15.
Función 17.30.
Función 18.45.